En la actualidad, la identidad ha cobrado la forma de la pregunta. Pero en el arte contemporáneo muchas veces viene dada como respuesta. No porque resuelva algo hacia afuera, sino porque llega ya determinada desde adentro: visibiliza, denuncia, representa algo que ya está ahí y de lo que la obra da testimonio. El arte se vuelve, entonces, un campo de validación afectiva más que un espacio abierto al arrojo de la existencia. Hace poco una amiga artista me reenvió una de las preguntas que le hacían para una entrevista institucional: "¿Cuál es el núcleo curatorial de la muestra?". Yo le repetí la pregunta con más palabras, a ver si le daba una mano. Al rato me mandó un audio: "no sé, estoy tratando de no tener un núcleo curatorial". Emoji de corazón.
¿Cómo resistir la presión por reducir la subjetividad a una interfaz que debe performar constantemente su singularidad (y hacerlo en un lenguaje predefinido, estandarizado, parametrizado)? ¿Qué hacer cuando toda forma de creación parece exigida a ser monetizada o a vivir en riesgo de ser cancelada? ¿Desde dónde se habilitan hoy las categorías "arte" y "artista"? ¿Qué se está descartando cuando una obra entra sin fricciones en el repertorio de lo visible? Con estas preguntas en mente, me gustaría recorrer algunos de los vericuetos del cruce actual entre arte, expresión, representación y difusión para intentar pensar qué clase de subjetividad está produciendo hoy el arte contemporáneo, entendido no como campo de prácticas, sino como régimen de diseño existencial.
[Imagen destacada: Ricardo Basbaum. diagram (me-you series), 2002. Dimensiones variables. Para el museum in progress, Viena en el contexto del proyecto "urban tension". Cortesía del artista].
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